VOGUE MÉXICO
Constance Jablonsky by Jean Francois Campos.
VOGUE CHINA
Vicki Zhao by Kai Zi Feng.
VOGUE PARIS
Daria Werbowy by Inez & Vinoodh.
VOGUE HELLAS
Anabel Van Toledo by Kostas Avgoulis.
VOGUE
Taylor Swift by Mario Testino.
NUMÉRO CHINA
Xiao Meng Huang by Yin Chao.
L’OFFICIEL HOMMES KOREA
Yuri Pleskun by Jens Ingvarsson.
W MAGAZINE
Charlize Theron by Mario Sorrenti.
INTERVIEW RUSSIA
Lana Del Rey by Sean & Seng.
OYSTER
Christina Ricci by Gregory Harris.
GQ GERMANY
Abbie Cornish.
GQ SOUTH AFRICA
Kristen Stewart.
GQ FRANCE
Jean Dujardin.
GQ ESPAÑA
Blake Lively.
GQ
Michelle Williams.
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Enumerar todo el encanto de Florencia podría equipararse a contar cada una de las estrellas que se aprecian desde la Piazzale Michelangelo; pero hablar de esta pintoresca área enclavada en el territorio central de Italia sin mencionar sus galerías, museos y boutiques sería un verdadero atropello.
PEACOAT
El esplendor de Florencia cobró protagonismo una vez más gracias a la feria de moda Pitti Uomo, en la que un ejército desfiló sobre la pasarela dejando un mensaje muy claro: el caballero italiano ha regresado.
CASUAL
Hace más de medio siglo que la casa Valentino presentó su primera colección en esta ciudad, y en esta ocasión, fungió como invitada especial en la octogésima primera edición de la feria florentina. Con orgullo y vehemencia, Maria Grazia Chiuri y Pier Paolo Piccioli, la dupla creativa de la maison, diseñaron una colección intemporalmente clásica.
FETISH
Esa virtud que posee el binomio Chiuri-Piccioli para traer a personajes del pasado y convertir la pasarela en una máquina del tiempo es irrefutable. Por un momento pareció que se trataba de una cinta de Federico Fellini, en la que Marcello Mastroianni se dirige hacia la Fontana di Trevi; pero dos enormes pantallas nos permiten observar la inconfundible estructura ósea del top Clement Chabernaud abriendo el show.
Marcello Mastroianni
PREPPY
«La memoria es muy importante para innovar. Queríamos ese mismo lenguaje pero en un momento distinto: la nitidez de la silueta, la confianza en la hechura a mano. Queríamos entallar ligereza» afirma Piccioli.
NOIR
Trajes de doble botonadura infalible, chaquetas con un acabado sartorial, pantalones estrechos, zapatos sin medias y el cabello esculpido de lado, fueron el común denominador en las más de treinta siluetas que desfilaron al puro estilo de los protagonistas del maestro Fellini.
TAILORED
Complementadas con camisas blancas y corbatas skinny negras, las creaciones de este dueto han sido tan bien diseñadas, que si alguien decidiera ponérselas al revés, nadie lo notaría. Materiales como cashmere, seda y lana conforman un tándem tradicional, pero el cuero proyecta un halo cien por ciento fetish. El sello deportivo de la colección lo conforman las peacoats y jerseys; en la otra mano, la elegancia queda explícita con el uso de pajaritas.
SARTORIAL
La paleta de colores fue monocromática en su totalidad, con acentos verdes, granates y nude. Para un total look se emplearon gafas oscuras, guantes de piel y carteras de mano con aplicaciones de metal.
TOTAL LOOK
GENTLEMAN
Lo sartorial y lo deportivo, el allure de los sesentas y la frescura de materiales como el cuero, conviven en esta última colección, que hace oda a la reinterpretación de la elegancia masculina que Maria y Pier han dejado en manifiesto para el otoño de este año.
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Espacio Diseño No. 200
Este último trimestre en nuestro país fue muy enriquecedor, pues estuvo nutrido del talento de varios jóvenes diseñadores. Quedó claro que su nivel no sólo es capaz de brillar a nivel nacional, sino que además de traspasar las fronteras físicas, lo hace también con las del pensamiento.
El primer evento que apareció en el radar del diseño fue el de “Proyectos editoriales universitarios”, con el apoyo de Guía de Diseño Mexicano y la editorial Gustavo Gili, en las instalaciones del Centro Cultural Bella Época del Fondo de Cultura Económica. El propósito de este ciclo, que forma parte de Noctámbulos —un espacio de encuentro multicultural—, es conocer la diversidad creativa de la nueva generación de diseñadores y mostrar los mejores proyectos editoriales de las instituciones educativas más sobresalientes del país.
Stand con los proyectos universitarios
De entre todas las escuelas que enviaron sus proyectos, sólo tres fueron elegidas: Universidad de las Américas (Puebla), Universidad La Salle (México) y la Universidad Autónoma Metropolitana (Xochimilco).
Cada universidad, representada por tres alumnos y el maestro a cargo del proyecto editorial, expuso sus trabajos y explicó brevemente sus características y realización. Cabe destacar que la publicación que más sobresalió por su quirúrgica estructura y por el desarrollo integral que los alumnos obtienen al participar en él, fue el Boletín Espacio Diseño, de la UAM-X, presentado por los alumnos: Marco Barón, María José Olivares, Gabriela Trujillo y el Mtro. Gerardo Kloss Fernández del Castillo, creador de este proyecto.
Mtro. Gerardo Kloss, Marco Barón, Gabriela Trujillo y María José Olivares
Con más de 19 años en circulación, el boletín es actualmente dirigido por la Mtra. Catalina Durán Mckinster. Además de contar con el respaldo de eminencias en el diseño editorial, goza de libertad estilística y está en renovación constante. No sólo es difundido en todas las sedes de la UAM, sino también en otras universidades, entre las que destacan: Universidad Iberoamericana, Universidad de Puerto Rico, Universidad del Pacífico, University of Texas y Harvard University.
Espacio Diseño No. 199
Amén de publicar las actividades artísticas y culturales que suceden dentro de la UAM-X, también se encarga de hacer una radiografía de lo que acontece en la escena nacional e internacional del diseño, la arquitectura y la planeación territorial, poniendo bajo sus reflectores a las personalidades, eventos y plataformas más influyentes en estos tópicos.
Bibioteca Dr. Ramón Villareal, UAM Xochimilco
Pocas semanas después, se proyectaron las Tendencias de joyería 2012, con el tema “Sobre-vivir: Diseñando el futuro”. Mónica Benítez, Directora del Centro de Información de Moda para Jojería de Industrias Peñoles, fue la encargada de presentar esta muestra de talento.
Mónica Benítez y los valores de este año
Es de conocimiento general que Industrias Peñoles es un importante grupo minero mexicano: el mayor productor mundial de plata afinada y bismuto metálico, cuyo CIJM funge como la plataforma de lanzamiento de nuevos valores. Su objetivo es comunicar las tendencias y asesorar a los diseñadores con el fin de que sus productos puedan operar de manera competitiva en el área internacional.
El Museo Franz Mayer fue testigo de este evento, en una reunión privada con más de quinientos invitados. En medio de un performance-desfile lleno de surrealismo y personajes oníricos, se manifestaron las tres tendencias: Hipervida, Futurrealismo y Agroactitud.
Performance en el Museo Franz Mayer
El concepto de la primera es el realce de elementos que activan la memoria sensorial: colores, texturas, sabores, sonidos y olores. Se trata de llamar la atención y aumentar los latidos, es por ello que el tono predominante es el rojo, uno de los más intensos de la paleta cromática.
«Hipervida» (Amor) de Holinka Escudero
La Hipervida se traduce en Amor (Holinka Escudero, Pineda Damián y Araceli Ramírez) y Sentidos (Fernanda Barba, Claudia Gómez y Adriana Estrada), gracias a las formas animalísticas de seres como: aves fénix, colibríes, cisnes, hipocampos, libélulas, dragones y mariposas; en materiales como: oro, plata, cuero bordado, cristales, diamantes y piedras preciosas.
«Hipervida» (Sentidos) de Fernanda Barba
El Futurrealismo representa un hilo conductor entre lo real y lo imaginario, lo físico y lo digital, la ficción y la realidad: todo esto con una geometría caleidoscópica. El color imperante es el blanco, uno de los tres tonos que ha sido elegido por los diseñadores de moda más influyentes para ser usado esta temporada Otoño/Invierno.
«Futurrealismo» (Alquimia) de Brenda Meza
Los materiales más sobresalientes de esta tendencia son: plata, cristales, vinil, diamantes, cuarzo blanco y acrílico; con acentos en: ocres, amarillos, violetas y rojos. La Alquimia, una vertiente del Futurrealismo, fue diseñada por: Brenda Farias, Brenda Meza y Yosh Ruíz; mientras que el Movimiento fue concebido por: Alberto Dávila, Jane López y Mónica Cuadros.
«Futurrealismo» (Movimiento) de Jane López
La última tendencia es la Agroactitud, inspirada en el minimalismo, que simplifica las formas hasta llegar a su esencia. Representa una desconexión con lo urbano y el deseo por consumir productos locales respetando las temporadas naturales.
«Agroactitud» de Marcela Aguilar
Desde luego, las siluetas fueron muy orgánicas, destacando ramas y enredaderas en materiales como: plata, madera, bronce y tejidos en colores oscuros, haciendo una referencia al negro. Todo esto desde la óptica de los diseñadores: Edgar López, Andrea Ruíz y Marcela Aguilera.
«Agroactitud» de Marcela Aguilar
En su mayoría egresados de la UNAM, estos diseñadores presentaron sus creaciones para rendirle un homenaje al Mtro. Sergio Bustamante: un arquitecto, artista y diseñador de exitosa trayectoria que recientemente participó en los Juegos Panamericanos Guadalajara 2011 fungiendo como Director artístico al diseñar el pebetero y los personajes que fueron parte de la ceremonia de inauguración.
El Maestro Sergio Bustamante
Para cerrar con broche de oro, la edición Primavera/Verano 2012 del Mercedes-Benz DFashion, albergó la colección “Haus”, de los alumnos de la escuela CENTRO: Diseño, Cine y Televisión.
El punto de partida de esta colección fue la escuela alemana de diseño y arquitectura: Bauhaus. Desde una óptica experimental y sencilla, los diseñadores se basaron en su estética, que parte de la inquietud del hombre por conocer la esencia de los materiales y las formas: se caracterizó por una férrea abstracción geométrica y una búsqueda exhaustiva de la funcionalidad.
La traducción de esta filosofía, fue una marcada experimentación en patronaje, textiles y aplicaciones. Aproximadamente fueron veinte las siluetas que desfilaron, compuestas de materiales variados como: gasas madera, mármol y granito.
Dirigida por José Alfredo Silva, diseñador de la dupla Trista —que también presentó su última colección en el MBDFashion P/V 2012—, “Haus” fue aplaudida por los críticos de moda por su practicidad, equilibrio y sencillez.
Los alumnos de CENTRO recibiendo la presea de manos de Cory Crespo, Director General de Coloürs, y Beatriz Calles, Directora de Mercedes-Benz DFashion México
Gracias a los esfuerzos y alianzas que realizan diversas plataformas y organizaciones como: el Fondo de cultura económica, Industrias Peñoles y el Mercedes-Benz DFashion, los nuevos diseñadores han encontrado una alternativa viable para difundir y aplicar los conocimientos aprendidos en las aulas de clase, de una manera espectacular.
Falta mucho por hacer y es innegable la maduración que requiere el diseño en nuestro país; pero los resultados que se están logrando para configurar una industria más posicionada y respetada a nivel internacional, son fructíferos y nos hacen crecer orgullosamente, a pasos agigantados.
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Una semana, una amenaza by Alejandra Quesada
El simple hecho de vivir, de aventurarnos a experimentar cosas nuevas y de conocer la perspectiva de otras personas, configura una página más en el libro de nuestra vida. Para Alejandra Quesada, diseñadora mexicana, la inspiración surge día con día y por este hecho ha elegido una semana de su vida para presentarnos su última colección llamada «Una semana, una amenaza», la cual ella misma asegura, se puede traducir como una etapa complicada en la que busca un crecimiento personal: pasar del estilo girly a uno más maduro sin dejar de ser ella.
El reflejo de cómo se puede vivir el estrés y los cambios de ánimo en una semana de la vida de Alejandra Quesada, fueron traspolados a las siluetas que se pudieron observar en su colección, presentada en el marco del Mercedes-Benz DFashion México Primavera/Verano 2012. Color y frescura son las características de los cortes naturalmente femeninos de Alejandra, quien se decantó por el uso de algodones y sedas para la confección de: pantalones, blusas, vestidos, leggings y suéteres tejidos a mano.
Para acentuar estas transformaciones que sufrimos día con día, Alejandra diseñó estampados geométricos y gráficos originales para zapatos de plataforma con pieles de colores, aunque hubo algunos planos de goma y charol negro. Los collares, pulseras en forma de cinturón y aún más los bolsos, fabricados artesanalmente con diseños genuinos, terminaron por englobar el concepto.
También merecen mención los peculiares anteojos, cortesía de Leny y Dr. Jos, de la anteojería Dr. York, ubicada en el corazón de la colonia Roma.
Con casi diez años de experiencia, Alejandra describe su estilo como: fantasioso, mexicano, con mucho color y con un trabajo excepcional en los textiles. Su experimentación con detalles en la ropa son su sello característico: encajes, listones y botones son pequeños ornamentos que le otorgan un carácter especial a cada prenda. Un libro antiguo, un juguete, una película, una máscara o un simple paseo por las calles de esta inmensa ciudad, son grandes tesoros en los que Alejandra fácilmente puede encontrar una inspiración.
Alejandra Quesada
Su intuición, talento y el tener muy claro hacia dónde y quiénes se dirige, la han convertido en una empresaria, pues tiene la fortuna de comercializar su ropa en: Japón, Hong Kong, Dubai, Inglaterra y Australia. Después de haber adquirido conocimientos en IES Moda Casa de Francia, haber trabajado para firmas como Isabel Marant y Alexander McQueen, y haber presentado sus colecciones en las Fashion Week de París y Japón, Alejandra se ha convertido en una diseñadora fiel a su esencia: no se basa al cien por ciento en las tendencias, pero lo que aporta a la industria de la moda es una autenticidad única.
Film by Elza Jo
«Es impresionante la naturaleza, es algo de lo que yo me he inspirado mucho», afirma Alejandra, quien también asegura que al observar a nuestro alrededor, uno puede darse cuenta de la existencia de cosas tan increíbles y maravillosas, las cuales pueden enriquecer no solamente nuestra formación profesional, sino también nuestro carácter y posible trascendencia.
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Fractus by Jorge Duque
La semana de la moda por excelencia en México empieza a escribir otra historia con su novena edición, cambiando su sede por el Infield del Hipódromo de las Américas. Su inaguración oficial se llevó a cabo después de los desfiles de las universidades: Iberoamericana, Janette Klein y CENTRO, siendo ésta última quien se llevó las palmas. Beatriz Calles, Jorge Mondragón, Cory Crespo, Juan José de la Barcena y Raúl González fueron quienes rompieron el listón blanco, que fue el preludio de la presentación del colombiano Jorge Duque, ganador de la primera edición de Project Runway Latinoamerica.
El propósito de las creaciones de este diseñador, era mostrar a una mujer sexy, sensual y sofisticada a partir de la construcción geométrica de edificios y de cómo la línea renuncia a su carácter naturalmente recto, para convertirse en la armonía de una curva. 
Fueron 21 siluetas en total inspiradas en el rock y retro-punk, cuya paleta cromática brilló principalmente con tonos turquesa y naranja. Duque retomó patrones icónicos a través de los tiempos: desde el maillot de bain propio de los años 60, hasta las chaquetas con hombreras que figuraron en la transición de los 80-90. Cabe destacar que el común denominador de su colección fueron los flequillos, encargados de acentuar el movimiento.
Esta explosión caleidoscópica de color fue concebida en materiales como: fibras de bambú, seda orgánica, y lanas con calidad muy ligera. Las impresiones digitales y los cueros cortados en láser también jugaron un papel predominante. Por otro lado, los zapatos de 16cm. de altura también formaron parte del plan de consciencia ecológica de Jorge Duque, ya que fueron elaborados con un corte geométrico en materiales como la madera y el cuero.
La cereza del pastel fue puesta por el diseñador Arturo Chávez, quien colaboró en la colección facilitando diversos accesorios: collares, pulseras y anillos geométricos de acrílico.
Nada es simple y ordinario, basta con fijar nuestra mirada a través de un caleidoscopio y sumergirnos en una psicodelia llena de prismas, que demuestra no sólo la cantidad de ángulos que puede haber en una imagen, sino también —y de manera metafórica—, el número de posibilidades que pueden proyectarse en nuestro andar.
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Jean-Michel Basquiat
Algunas características de esta tendencia, proveniente de Alemania, entre los artistas americanos fueron: intensos contrastes cromáticos, trazos burdos que caen entre lo figurativo y lo abstracto, y un mensaje lleno de ironía y humor.
Mona Lisa. 1983. Jean-Michel Basquiat.
Los vagones del metro y la zona del SoHo, fueron algunos lugares donde dejó su huella, en forma de graffiti, uno de los máximos imponentes de este movimiento pictórico. Jean Michel-Basquiat fue un joven que, en un principio, sobrevivía en las calles del Low Manhattan vendiendo postales y ropa que él intervenía. En todas sus consignas llenas de protesta social contra el racismo y la injusticia, se encontraba su firma: SAMO (SAMe old shit).
Autorretrato. 1982. Jean-Michel Basquiat.
Su propuesta cargada de fuerza caótica, pero a la vez divertida, fue uno de tantos motivos por los cuales se ha vuelto una referencia inmediata para entender el neoexpresionismo. Basquiat llegó a colaborar con Andy Warhol y Francesco Clemente, e incluso a estar en la portada del New York Times, después de haber vivido varios años en las calles. Por esa, y un centenar más de razones se le conoce como “The Radiant Child”: el nuevo Van Gogh.
Este año, la dupla de diseñadores mexicanos Francisco Saldaña y Víctor Hernal han traducido la obra de Basquiat en su colección Primavera/Verano 2012, la cual fue presentada en la más reciente edición de International Designers México.
El reto para los diseñadores fue reinterpretar el estilo gráfico de Basquiat y aterrizarlo en prendas comerciales, así como en otras que fueran más para causar impacto en el desfile, algo en lo que ellos se han convertido en maestros.
Las más de veinte siluetas que conformaron su colección “The Radiant Child” se dividieron en tres bloques: la primera con colores base en beige y hueso con destellos en vino, rojo y negro; la segunda con tonos camel y pasteles con acentos en verde militar y naranja. Por último, una explosión de colores: cobalto, azul rey y amarillo, fueron la fusión para crear un “total look”.
El diseño de maquillaje estuvo a cargo de la Senior Artist MAC, Beatriz Cisneros: los hombres fueron maquillados con líneas muy graficas en blanco y las mujeres en negro. Sólo hubo tres maquillajes caóticos, que fueron la reminiscencia de la parte burda de Basquiat.
Makeup design by Beatriz Cisneros
También se pudieron apreciar las colaboraciones de: Michelle Ceballos en el Hair Styling, la marca María Victoria con las medias que portaron las chicas, y la increíble intervención que se le hizo al logotipo de Malafacha. Esta última colaboración estuvo a cargo del artista Seher One, un ilustrador egresado de la ENAP, que ha colaborado con marcas como: Nike, Volvo, Disney y Casio.
Intervención de Seher Oner
El último toque del desfile fue un soundtrack caótico, acorde al concepto: desde el hip-hop hasta el sonido de violines. Con esto se evindencia la dedicación y la entrega que los diseñadores le imprimen a cada uno de sus proyectos: aproximadamente ocho meses de trabajo se invirtieron para un desfile de diez minutos.
Bocetos de «The Radiant Child»
Esta dupla afirma que hay que encontrar la belleza absolutamente en todo. Esto, aunado a un esfuerzo constante, posiblemente será la única manera de llegar a trascender, al igual que lo hizo aquel niño radiante, quien después de ser ignorado en las calles del Low Manhattan, logró convertirse en una gran estrella: tal y como se lo vaticinó René Ricard, de Artforum, la revista más influyente de la época.
« I thought I was going to be a bum the rest of my life» Jean-Michel Basquiat
Fotografías: Dollschic
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Marcos Cherem, Carlota de la Vega, Eva Hughes y Nelly Navarrete.
El lugar donde se llevó a cabo este importante encuentro fue en una de las Concept Store más exclusivas de la ciudad: Cañamiel Concepto Latino, ubicada en Park Plaza Santa Fe. «La idea detrás de Cañamiel es comunicar el significado de ser latino. Queremos transmitir la frescura, alegría y encanto que nos caracteriza, y crear un espacio al que podamos llamar nuestro, en el que nos sintamos justo como en casa», comenta Nelly Navarrete, directora y fundadora de Cañamiel.
Entre los diseñadores que se pueden encontrar en la tienda están: Alejandra Quesada, Julia y Renata, Alejandro Carlín e Inés Barona —por mencionar algunos—, quien estuvo presente al igual que otras diseñadoras como Alana Savoir y Paulina López.
Prendas de Carla Fernández, Iodice y Dalia Pascal
Carlota de la Vega, Directora del FGI México dio la bienvenida a los ponentes y agradeció su presencia, haciendo una pequeña introducción. La primera parte de la conferencia estuvo a cargo de Marcos Cherem Entebi, Presidente de la CANAIVE. Los primeros puntos que resaltó fueron las funciones de la Cámara en el país, tales como representar los intereses generales del sector en México y el extranjero, además de fomentar la calidad y la productividad.
Amén de proyectar cifras y porcentajes sobre la situación actual de la industria textil, recalcó la realización del primer estudio antropométrico de nuestro país llamado «¿Cuánto mide México? El tamaño sí importa», el cual será una herramienta indispensable para diseñadores y fabricantes, ya que de esta manera podrán conocer más a fondo a sus usuarios finales: edad, condición económica, zona geográfica, etc.
Posteriormente, Eva Hughes, Directora Editorial de Vogue México y Latinoamérica, tomó la palabra. Al igual que Marcos Cherem, Eva enfatizó con porcentajes el poder que tiene la mujer en la economía del país: una participación por demás decisiva. Las necesidades e intereses que tienen las mujeres al momento de elegir una prenda o un coche son diferentes a las de un hombre, y en la mayoría de las ocasiones son ellas quienes escogen desde la decoración del hogar hasta el tipo de automóvil que se va a adquirir.
Dentro de este marco de datos y números, Eva habló del estrecho vínculo que existe entre los diseñadores y los medios editoriales, en este caso de Vogue. Con nueve años de experiencia estando a cargo de la dirección editorial de Vogue México y Latinoamérica, Eva expresó con alegría que la edición de Septiembre 2011, ha roto un récord de paginación: 404 páginas más el suplemento Vogue Colecciones, que suman un total de 472 páginas. Para cerrar la conferencia, la Directora de Vogue dijo una frase: «Las cosas fáciles no saben a gloria».
Después de una excelente presentación por parte de Marcos Cherem y Eva Hughes, se llevó a cabo un cóctel en el que estuvieron presentes: Janette Klein, Dalia Pascal, Aimeé Coarasa, Claudia Estrada, Enrique Sánchez-Armas, Karina Balderas y Pedro A. Ricalde, entre otros.
Desde arriba, en sentido horario: Claudia Estrada; Paulina López, Carlota de la Vega, Rodrigo Montes y Dalia Pascal; Nelly Navarrete, Aimeé Coarasa y Moisés Cossío.
Fotos: Fashion Group International México
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Inauguración de «Sombra del agua»
Este 28 de Julio, la exposición Sombra del agua fue inaugurada y engalanada con una pieza de la virtuosa artista Bárbara Paciorek q.e.p.d., titulada Réquiem: uno de tantos grabados —por demás enigmáticos—, cuya realización goza de una autonomía exquisita, emblema de la cartelista polaca. Lo anterior sólo es el preludio de un interesante conglomerado de propuestas plásticas: fotografías, pinturas, grabados, y un toque de tecnología.
Bárbara Paciorek y su cartel «Sin alas no hay libertad»
Rocío Ramos es una fotógrafa que se rige por su intuición y la experimentación, como muchos diseñadores y artistas. Esa exploración ha logrado captar momentos y cosas que, a veces, suceden opacas ante nuestra mirada. Beatriz Ezban y María José de la Macorra proponen con sus técnicas y ópticas propias, un dinamismo y un significado enriquecedor; la primera utiliza el plateado para ensalzar ese ingrediente que funge como la arteria coronaria del agua: la luz.
Por otro lado, María José logra proyectar de una manera romántica ese vínculo que desde pequeña ha tenido con el agua, ya que el Lago Mendota y el bellísimo e inspirador Río Bow son dos lugares que alimentaron su manera de percibir el entorno. Claudia Gallegos es otra de las pintoras que participa en esta exposición con un estilo que fusiona lo abstracto y lo figurativo, logrando una armónica hibridación.
Abajo: «Gravitación» de Beatriz Ezban
Arriba: «Juncos» de María José de la Macorra
El grupo de artistas se completa con: Amor Muñoz, Arcángel Constantini, Claudia Pérez Pavón y Fernando Palma. Grabados sobre una superficie de acrílico fluorescente son la manera en la que Muñoz emplea con ingenio la luminosidad. Palma, por su parte, recurre a la mecatrónica para expresar la lejanía que separa nuestra actual civilización de la que alguna vez pisó el suelo en donde vivimos ahora. La original superficie donde Pérez Pavón plasmó con ayuda del óleo su obra llamada Híbridos I, está formada por mono-filamentos de nylon, cuya estructura es perfecta para dejar fluir la luz.
Abajo Izda.: Parte posterior «Híbridos I» de Claudia Pérez Pavón. Abajo Dcha.: Parte trasera
Arriba: «Mi nombre es coyote, y tú ¿cómo te llamas?» de Fernando Palma
Por último se encuentra Spark-un-plug, un mecanismo que es activado gracias a una moneda que se deposita dentro de un contenedor. Líquido, sólido y gaseoso son los tres estados por los que pasa el agua, y precisamente ese es el número en el que Constantini se basó para crear esa construcción realizada con una matriz de 300 bujías, dividida a su vez en tres ánodos que emiten energía eléctrica de alto voltaje a un bloque de hielo. Los tres estados se representan como una metáfora: una lluvia de luces que convergen hasta una masa deforme y helada.
«Spark-un-plug» de Arcángel Constantini
La exposición ha tenido una excelente respuesta, por lo que estará abierta al público hasta el 8 de Octubre. La dirección de la galería es: Medellín 28 Col. Roma y el horario de apertura es de lunes a sábado de 10 a 18 h.
Fotografías: Alejandro Juárez Gallardo y Claudia Pérez Pavón.
«Cargando las maletas» Anónimo
La Universidad de Barcelona fue el sitio donde se llevó a cabo una de las migraciones más importantes en el mundo de la moda: el 080 Barcelona Fashion recibió con los brazos abiertos a uno de sus hijos pródigos, Toni Francesc. Después de haberse presentado con su última colección «Garudá» en diferentes plataformas como el Mercedes-Benz Fashion en sus ediciones New York y México, el diseñador catalán ha decidido establecerse en su patria.
Tomando como inspiración los movimientos migratorios —como el que él acaba de realizar—, y la imperante necesidad de sobrevivir en un mundo con tintes salvajes y abruptos, presentó su colección Primavera/Verano 2012 titulada «Seekers». Treinta y cuatro fueron las siluetas que desbordaron soltura y libertad, trayendo consigo paisajes áridos y diferentes elementos de la naturaleza: la tierra, el aire, el agua y el fuego.
Francesc se decantó en su mayoría, y de nueva cuenta, por los colores cálidos y los tierra, así como los azules y amarillos. La asimetría que presentaron sus cortes, así como la superposición de telas y formas, proyectan la sensación de seguridad ante los paisajes áridos propios de un lugar desgastado y consumido que emanaban de los materiales utilizados, entre ellos la seda. Además la colección fue engalanada con zapatos del diseñador estadounidense Jeffrey Campbell.
«Seekers» es la metáfora de todos aquellos seres vivos que tienen la necesidad de trasladarse a un lugar lejano para sobrevivir, y en el mejor de los casos para buscar un crecimiento, una trascendencia, sin miedo a nada. «El cambio es la única cosa en el universo que no cambia» Helmuth Wilhem.
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Fotos: Vini Mania. Lorena Guimarães @Mega Model
Un ejemplo muy claro de esto es el bambú. Cuando recordamos esta peculiar planta, pronto varias imágenes se vuelvan hacia nosotros, y tal vez la principal sea una en la que el protagonista es el oso panda. De hecho no estamos equivocados al suponer eso, ya que efectivamente, es su alimento favorito; pero no sólo estas tiernas especies han escogido al bambú como su planta preferida, pues los chinos también lo hicieron hace algunas centurias al elegirlo como material principal para la construcción de sus balsas pesqueras.
El bambú tiene un lazo antiquísimo con los pueblos asiáticos, pues no solamente ha servido para la construcción de sus balsas e incluso casas, sino también para utensilios de cocina y objetos artesanales. Vajillas, palillos y recipientes han sido el producto final del tratamiento de esta noble planta.
Bowls de bambú
Podría decirse que es un milagro de la vida: puede crecer en zonas contaminadas y áridas. Su resistencia, aseguran los científicos, es dos veces mayor a la del acero y en tan sólo veinticuatro horas puede crecer hasta un metro. De los “mares de bambú” en China, se exportan miles de metros cuadrados de bambú hacia todo el mundo para sustituir las varillas de hormigón armado. Resulta una inversión ecológica que reduce los costos de manera increíble.
En Hong Kong, más del 70% de los rascacielos están construidos sobre una cama de bambú. Las virtudes de esta planta no terminan todavía. Además de ser un conservador natural en alimentos, también tiene propiedades humectantes para la piel y actúa como filtrante en la elaboración del Jinro Soju: el licor más famoso de Corea.
Edificio Bambú by Foreign Office Architects, Madrid.
Todos estos conocimientos fueron enseñados en un taller de diseño industrial en Francia, donde estuvo un joven mexicano: su nombre es Diego Cárdenas Landeros. Posteriormente este diseñador egresado de la UNAM —durante la investigación en una clase de tendencias del diseño— puso en práctica los conocimientos aprendidos en Europa.
Tal y como sucede con un bambú cuando lo cortan, la creatividad de Diego creció considerablemente cuando le robaron su bicicleta aquí en el D.F. Esta fue una oportunidad que le sirvió para crear una bicicleta hecha de bambú llamada “Bamboocycle UH-02”.
Fuente: Bamboocycles
Hoy su idea ha trascendido, y con tan sólo 25 años de edad ya comercializa bicicletas y accesorios para las mismas, no sólo en América sino también en el oeste de Europa, con su empresa Bamboocycles de la que es socio, y cuyo objetivo es crear bicicletas: ligeras, resistentes, amigables con el medio ambiente y con un diseño más estético. Los bambúes que se utilizan son procedentes del estado de Veracruz y cada bicicleta es hecha a mano. Su tratamiento la hace fuerte ante cualquier clima y puede soportar hasta 300 kilos, ya que funciona como amortiguador natural.
La creatividad y las ideas innovadoras no pertenecen a un sector de la sociedad, país o cultura en específico. Son aquellos accidentes los que nos ponen a pensar e idear nuevas formas de aplicar conceptos y mejorar los ya existentes no solamente en el diseño, sino también en el campo más importante: la vida.
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